에곤 쉴레(Egon Schiele, 1890-1918)

에곤 쉴레는 1890년 6월 12일 다뉴브 강변의 튤린에서 태어났다. 비엔나 근방에 있는 이 소도시의 역장이 쉴레의 아버지 였다. 쉴레의 드로잉 감각은 일찍부터 현저하여, 그는 소년기의 대부분을 연필보 그리는 일로 보내었다. 쉴레가 14살 되던해 매독으로 사망한 쉴레의 아버지는 학교 공부를 소홀히 한 처벌로써 쉴레의 소묘들을 태워버렸다. 16살 때, 쉴레는 대리인이던 삼촌과 무관심한 어머니가 내커하지 않는 가운데 비엔나 미술학교로 보내졌다.

1년 후인 1907년, 그의 드로잉을 당시 이름높던 선배 화가 구스타프 클림트(Gustav Klimt)에 보일 기회가 주어졌다. 클림트는 소년의 비상한 재능을 알아보고 후원 했다. 클림트의 아르 누보 양식과 소재의 영향은 1909년까지의 쉴레의 작품에서 현저히 보인다. 스승의 우아하고 장식적인 형상을 떠나서, 쉴레 자신의 표현적인 스타일이 나타나기 시작한것은 1910년 경에 이르러서였다.

이 시점은 가족으로부터 경제적 후원이 끊어져 고립감과 자기도취적 자기 연민에 빠져있던 때로서, 쉴레는 일련의 심리적, 성적 초상화를 제작하기 시작했다. 19111년, 조용히 작품제작에 몰두할 은둔처를 찾아, 비엔나를 떠나 모친의 고향인 보헤미아 크라마우로 이주했으나, 뜻을 이루지 못했다. 시골 사람들이 쉴레의 생활방식, 곧, 여인들과 모델과의 관계를 말 삼고 분개했기 때문이다. 이같은 이웃으로부터의 적개감은 그해 말 비엔나에서 35킬로미터 정도 떨어진 노이렝바하라고 하는 마을로 옮겨갔을 때도 되풀이된 현 상이었다. 비엔나와 윈헨, 괼른, 그리고 부다페스트에서의 전 시와 함께 화가로서의 명성이 높아가던 참에, 쉴레는 노이렝바하 감옥에 24일간 갇히고 마는데, 죄명은 부도덕과 꾐 으로, 모델로 섰던 가출 소녀가 그를 고발했던 것이었다.


재판과정에서 판사는 쉴레의 드로잉 한 점을 불에 태워, 일찍이 그의 부친이 쉴레에게 가한 모독감을 일깨우게 했다. 감옥살이 경험은 쉴레에게 지워지지 않는 상처를 남겨 그후로 쉴레의 성격과 예술에 깊은 영향을 미쳤다. 그는 거의 철두철미 은둔적이 되었고 그리고 자신을 수도승이나 은둔자로 그린 초상화들을 그리기 시작했다. 1915년, 몇번의 시도 끝에 마침내 오스트리아 군대에 입대하고, 입대 2주 후에 결혼했다. 군인과 남편이라는 이중의 역할은 스스로가 가한 사회적 추방아의 모습을 그의 삶과 그림의 이미지에서 드러내게 도왔다. 더구나, 비엔나의 군대미술관에 배치가 된 후로는 집에서 거처하며 정규적으로 그림을 그릴 수 있게 되었다, 이 기간에 제작된 초상화들은 덜 과격하며 덜 호전적이었다. 1918년 3월 비엔나 서세션(Vlenna Secession)에서의 개인전은 호응이 좋았고 경제적 보답을 주었다. 그러나, 제 1차 세계대전 말기에 번진 악명높은 독감이 10월 비엔나에 당도하자, 당시 임신 6개월이던 쉴레의 아내가 먼저 독감에 걸려 사망했고, 쉴레는 그 사흘 뒤인 10월 31일 밤에 아내 뒤를 따랐다. 쉴레가 최후로 남긴 작품은 죽어가는 아내를 그린 소묘였다. 사망때까지, 에곤 쉴레는 선과 색채를 대가적인 솜씨로 다를수 있게 되었고, 3천여 점에 이르는 드로잉과 약 3백 점에 이르는 회화를 남겼다, 쉴레의 예술의 내용은 대단히 아름답게 그려 져있다.


그는 분명 구스타프 클림트와 오스카 코코쉬카(oskar Kokoschka)와함께 세기말/세기초의 가장 뛰어난 오스트리아화가 셋에 포함된다. 지그문트 프로이트, 아놀드 쉔베르그 및 루드비히 비트겐스타인과 동시대인으로서, 쉴레는 금세기가 열리던 처음 10년간 비엔나에서 보여진 개인적, 심리적 현상 및 지적 운동에 관여하고 있다. 본질에의 탐구와당시의 지적인 틀안에서 개성의 내부 구조를 탐색하는 것이 비엔나 제국 말엽의 퇴폐와 위선과 함께 쉴레 작품의 내용이 되었다.
쉴레는 1912년 4월 13일 어린 소녀를 유혹하고 아이들에게 에로틱한 그림들을 보여 어린이를 도덕적으로 타락케 했다는 죄명으로 감옥에 갇혔다 그러나 이 화가의 관심과 예술은 로버트 메이플소프(Robert Mapplethorpe)나 에릭 피슬(Eric Fischl)과 같은, 성적인 이미지를 이용하는 근간의 현대작가들의 그것과는 완연히 다르다 쉴레의 미학은 휠씬 복잡하며, 세련되며, 성적인것 그 자체에 촛점을 맞추는 것으로부터는 대단한 거리가 있다. 아름답게 그려진 쉴레의 인물 형상은 단순히 에로틱한 것이 아니라 시각적, 미학적으로 보아 하나의 이상화된 이미지이다. 이에 덧붙여, 쉴레의 선과 구조에서는 서세셔니스트의 비젼과 양식 특히 클림트의 그것을 쉽게 추적해 낼 수 있다. 흥미있는 것은 흔히 간과되고 있는 그래픽 화가인 스타인렌(Steinlen)의 영향과 당시 쟈포니즘(Japonisme: 일본목판화가 서구미술에 불러일으킨 영향)의 도래를 엿볼수 있는 점이다. 여인의 젖가슴을 내보이는 우타마로(vtamaro)의 목판화를 떠올리면 그 관계를 어렵잖게 볼 수 있다. 이에 더해, 쉴레가 그림의 빈 공간에 탄탄한 선으로 형상을 그리는 동양적 회화로부터 영향을 받았음이 분명하며, 도장처럼 네모난 쉴레의 서명과그 서명이 그림에서 놓이는 위치 또한 동양화의 낙인과 흡사하다.

쉴레의 작품은 크기가 그리 크지 않으며, 작품에 사용하는 재료도 수수하다, 그는 수채, 과슈, 유채, 크레용, 연필 및 담황 색나는 포장지를 제재로 사용하여, 직접성을 최고로 도모했다. (무릎을 꿇은 남자 나체),(자화상, 1910)는 레오폴드 컬렉션에든, 1910년에 제작된 8점의 초상화 중 하나이다. 이 드로잉은 과장된 제스츄너와 현저한 색 대비 및 길게 늘인 수족과 크게 그려진 손과 같은, 쉴레의 형상들의 전형적인 모습을 보여준다. 약간 왼쪽으로 인물을 놓아 형상의 위와 아래를 잘라낸 구성을 하고 있다. 형체 일부를 잘라 낸 구성 또한 쉴레의 전형적인 것이다. (오렌지-레드 드레스의 무릎 꿇은 소녀),(1910)는 초록색의 흔적을 가미한 여러 다양한 색조의 오렌지 색을 쓰고 있다. 특히 힘있는 선이 두드러져 보인다. 치마 단에서 손으로 이어지는 선은 이 화가가 시각적인 운동감에 관심을 쓰고 있는 것을 암시한다. 형체를 공간 안에 넉넉히 위치시키고 있어 다시 동양화를 생각나게 한다. (치마를 걷어올린 검은 머리칼의 소녀) ,(1911)는 모델의 앞 단축된 포즈와 절단된 수족, 그리고 정면으 로 취한 자세로 강한 성적 분위기를 그려내고 있다. 쉴레는 간 혹 나체 주위를 흰색 과슈로 테두리침으로써 동일한 효과를 자아냈다 (꿇어앉은 여인 나체),(1910) 쉴레의 모델들은 흔히 임산부나 사춘기 소녀였다. 이같은 천진함과 적나라한 노출의 겸비는 충격을 불러일으킨다. 그리고 그때 당시의 유럽의 델리키트한 여성미를 제시하는 레이스 주름의 속옷과 끌어내린 스타킹이라는 문맥에서 훔쳐보는 잠정적인 관음적 센세이션을 자아낸다.

에곤 쉴레가 우아하고 장식적인 서세셔니스트의 스타일로부터 작품을 시작했지만, 쉴레의 독창성은 그의 장식이 덜하며, 감정적으로 보다 압축되며, 보다 직접적으로 보다 강하고 굵게 쓴 드로잉 선에 기인한다 그는 또한 서쎄셔니스트의 표면적인 아름다움이라는 미관념도 거부하여, 일그러진 신체와 얼굴로 과장되게 표현된 내면에 깔린 몰골스러움이라고 하는 미의 가능성을 소개했다. 쉴레는 형(form)이라고 하는 대담한 언어를 통해 인간 감정을 표현하는데 주력했다. 대개 씻겨져 투명한 그의 색상은 표현성과 구성력을 높이는데 사용됐다. 그의 주요 소재는 자화상과 여인들로써 그의 깊은 관심, 사고, 그리고 감정 을 위한 상징이자 은유로 작용했다. 쉴레의 드로잉은 1913년 후반에서 1915년 사이에 형식적인 변화를 보인다 그는 모델로서 성인 여인을 선호하게 됐다. 그 는 풍만스러움과 조형성을 창출하기 위해 양감있는 윤곽선을 사용했다 이 새로운, 일루젼적인 표면과 양감은「연인들」(1914-15)에서 볼 수 있다 인체들의 어색한 포즈는 이 드로잉에서 하나의 조각적인 중심을 이루고 있다. 여자의 얼굴이 화면의 중앙을 차지하고, 남자의 일그러진 포즈는 중앙의 축을 바꾸어 둘로 나누어 낸다. 이즈음에 이르러 완만스런 곡선과 부드러운 선이 주로 사용되며, 사선으로 칠한 색상이 두드러진다. 반면, 색상의 대조는 여전 히 강하다. 그림의 남자는 쉴레이며 여자는 발리 노이질(Wally Neuzil)로서, 그녀는 쉴레의 오랜 모델이며 동반자로 그가 감옥살이를 할 때 매일 그를 방문했다. 그녀는 (비탄하는 여인),(1912)의 소재이기도 하다. 후에, 쉴레가 에디스 함스(Edith Harms)와 결혼한 뒤로는, 새 아내의 대단히 민감한 초상화를 많이 그렸다.

그는 보다 자연스런 조형언어를 차용하였고, 정밀하고 정확한 드로잉을 엄밀한 색상과 겸용했다.이 기간의 작품들은 일반적으로 덜 공격적이며 왜곡과 과장의 정도도 덜했다. 보다 역동적인 동시에 그러나 자기 만족을 보였다. 쉴레는 예민한 풍경화의 이미지도 또한 창조했다. 그는 형상과 색상의 주목할 만한 조화를 이루어내기 위해 풍경의 제 요소들을 적절히 배치했다. 풍경둥경에서 쉴레는 그의 인체에서와마찬가 지로 정물의 기분이 들게 했다.즉, 적절한 배치, 구성, 그리고 영속감이 그의 작품에서 자아내진다. 그의 풍경화에서도 쉴레의 이미지들은 열린, 빈 심리적 공간의 중앙에 위치하고 있다.

쉴레의 드로잉은 거의 언제나 그의 회화보다 높이 간주되어 왔다. 그러나 쉴레에게는 그의 그림이 그의 소묘보다 더 중요했다. 그는 드로잉을 대단히 신뢰하여 언젠가 그림으로 더 발전되 나갈 것으로 확신하였다. 그러나 불행히도 그의 단명했던 삶이 이것을 허용치 않았다. 쉴레의 유화에서 특징적으로 나타나는 선과두텁게 칠한물감의 겸용은 일찍부터 보 여, 1918년 그의 삶 의 종반까지 이어진다. (웅크리고 앉은 두 여인),(1918)이 두텁게 칠한 밝은 색조의 색을 인체 형상의 외형선과함께 쓴 좋은 예로 써, 인체들은 느슨히 큼직히 쓴 붓놀림으로 그려져 있다. 역사적으로 보아 그런 예들이 있듯이, 쉴레는 그의 소재를 뛰어난 형상력으로 훌륭히 표현했다. 쉴레의 드로잉은 드로잉 그 자체로 감상될 수 있다. 그렇기 에 쉴레가 1950년 이래 점증적으로 독자를 얻어왔던 것이다. 지난 25년간, 쉴레의 대중성은 미술에서 새로이 재부각되고 있는 성적인 소재에 대한 관심 증대와 함께 더 한층 커지고 있다, 그러나, 언제나 그렇지만,관심의 촛점과 관조의 근간으로서, 선과 공간과 색 사이의 관계에 대한 쉴레의 이해가 없었다면 감동적인 예술은 존재할 수 없었을 것이다. 이번 전시는 쉴레의 작품에 대한 하나의 완전한 초상화를 제공했다. 16세 때 그린 아카데믹한 자연적인 초상화에서 부터 그의 말기의 형과 운동감의 요점만으로 이루버진 초상화가 다 전시되었다. 뉴욕근대미술관에 연대별로 명료히 전시된 이 전시는 쉴레의 내적 의도와 함께 그의 예술적 발달과정을 섭렵해 볼 수 있게 했다. 1912년 4윌 27일, 옥중에서 쉴레는 이렇게 썼다: (내게 예술이 없었다면 지금 나는 무엇을 할 것인가?... 나는 생을 사랑한다. 나는 모든 살아있는 존재의 심층으로 가라앉기를 원한다.) 모든 존재하는 것의 심층으로 가라않고자 던 쉴레의 욕망은 이 전시에서 분명히 관찰할 수 있었다. 이 젊은 화가는 1900년으로 바뀌던 직전과 직후에 살았던 자신의 살에 비추어 인간 존재를 응시했다. 우리는 이제 또하나의 세기로 바뀌는 시점에 있다. 그래서 다시 한 번 쉴레의 속삭임을 귓전으로 듣는다. (예술은 모던할 수가 없다; 예술은 원초적이며, 영원하다.)